Trabajando con la música.

Otros trabajos. Mozart y Johann Sebastian Bach.

Las obras de estos genios , como otros que aún no he mencionado, me sugieren infinidad de colores y formas. Cada color tiene un sonido al igual que cada forma. Creo que esos sonidos son "dictados" por Dios, en el caso de que Dios exista, pero sería mejor decir que les llega del Cosmos pues la música está en el génesis de la Creación, y ellos tuvieron la capacidad de poder escucharla.

Oriente. Peter Gabriel a film by Martin Scorsese

Las imágenes de estos trabajos son una consecuencia del proceso interno que me produjo la música compuesta por Peter Gabriel para "Passion" Music for " The Last Temptation Of Christ" a film by Martin Scorsese

.Mis maestros

No puedo dejar de agradecer a mis maestros.
En primer lugar a mi padre que me inició en este arte y me alentó constantemente, a profesores como Perla Benveniste, Febo Martí, en figura humana a Darío Volpi,Campanella , Eduardo Rodriguez en escultura, entre otros queridos maestros.

África y ´Medio Oriente. Música de Peter Gabriel.

Como siempre me cautivó la figura humana, no puedo dejar de dibujar africanos con sus cuerpos de firme musculatura y sus mujeres con piernas de alabastro. Llevan la música en todo su cuerpo y su andar y sus cánticos son de una belleza sin par.
Las bellas y sensuales mujeres del Islam,
tan exóticas y misteriosas tras sus delicados velos, como los niños de ojazos y miradas increíbles cautivan al artista que quiere plasmarlos en sus obras. Son un verdadero motivo de inpiración

El músico y compositor ha incluído a varios grupos tribales en el film "Passion",music for "The Last Temptation Of Christ",donde se pueden apreciar las sonoridades de percusionistas y cantantes.

El arte de la mano de Federico Chopin.

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El arte lo encotramos en todo lugar.

Lo vemos en los campos , en los mares, en los cielos, en el día y en la noche, en una mirada , en el andar de las gentes ,en todas las criaturas de la Naturaleza, pero hay que saber ver.

Tambien lo escuchamos, en la música del viento, en el canto de un arroyo, en los sonidos que emiten las criaturas vivientes, en el silencio, pero hay que saber escuchar.

El artista tiene el "don" de saber ver y saber escuchar. A no malgastar ese" don" en algo pueril, vulgar, puramente comercial. Eso sería prostituir al arte, y me refiero a todas las artes en general.

No mencioné a la Literatura, gran aliada de la Música y Plástica.

Mi músico desde la infancia, Federico Chopin, hacía gala de una gran cultura y era feliz en cualquier arte que le permitiese expresarse. Además de destacarse en la música, oratoria , literatura era muy buen actor.

Los trabajos que anteceden surgieron a partir de su música.

Päjaros:serie. " Los pájaros perdidos " de Piazzolla

A partir de la observación de un pequeño pájaro surgió toda una serie de trabajos donde las aves se forman y deforman,se arman y desarman en completa libertad como si todo se hubiere convertido en un mágico juego donde plumajes ,piedras, ojos cambian de lugar constantemente como una visión surrealista.

Este trabajo o juego interminable se lo dedico al genial maestro Piazzolla por su obra "Los pájaros perdidos".

El arte y la sonata "Patética" de Ludwig van Beethoven

Escuchando la sonata "Patética" a los tres años de edad, descubrí la Música. Ya garabateaba "dibujitos " sobre papel pues mi padre que era artista plástico me "prestaba" los materiales.

Mi padre y Ludwig van Beethoven me iniciaron en el mundo maravilloso del arte, cuyo aprendizaje no termina nunca.

Desde ese momento las dos disciplinas marcharon de la mano, y tanto un cuadro me "canta" su melodía como una obra musical me sugiere formas y colores.

Fantasías y geometrizaciones. Franz Schubert

Ver los colores del atardecer, o la figura humana con su armoniosa riqueza al mismo tiempo que escuchamos el sonido del cello, misterioso y viceral, es una experiencia inigualable

Franz Schubert y su música es uno de los tantos autores que me motivaron.

Al escuchar su sonata "Arpeggione" no pude dejar de ponerme a trabajar.

Mis trabajos y Debussy. Sus preludios.

Cuando no estoy practicando en el piano o el cello y tengo la necesidad de expresarme, durante varios días formas y /o colores dan vueltas en mi cabeza hasta que al fin y generalmente despues de escuchar algo musical ,surgen las imágenes. En este caso fue Debussy y su ""Claro de Luna ".

Maternidad. Johannes Brahms y su canción de cuna

La música de Brahms es la que "escucho" cuando veo un trabajo plástico sobre la maternidad. Su Wiegenlied op. 49 ó "Lullabay", un lied conocido como "Canción de cuna "es el sonido de estas obras.

Astor Piazzolla y mi ciudad

Nunca pude sustraerme a la genialidad de su talento. Su música me predispuso para la realización de muchos de mis trabajos.
¡¡¡¡Gracias maestro !!!!

Mi mundo interior afloró gracias a Federico Chopin

Desde los comienzos de mis estudios musicales, siendo muy pequeña, y a lo largo de toda mi vida mi músico más amado fue , es y será el más complejo, exquisito, difícil de interpretar por su sublime delicadeza y grandiosidad compositiva. A Federico Chopin siempre recurrí . en los momentos especiales de mi vida, por alegrías o por tristezas pues en su música siempre intuí que compuso como con un gran signo de interrogación y creo que partió hacia otros planos sin hallar las respuestas que un espíritu tan delicado y puro como el suyo no podría encontrarlas en este mundo materialista y mezquino. No pertenecía a este plano,estaba en un nivel mucho más elevado

Mis cuatro estaciones

Los colores de la Naturaleza, según las épocas del año, me sugieren colores y formas que alimentada por la Música, en este caso del genial maestro Antonio Vivaldi , tuve la necesidad de plasmar como " mis cuatro estaciones ". Digo "mis" pues el rojo es la Primavera, el verde es el Verano, los ocres y grises el Otoño y azul, blanco con un punto rojo representan el Invierno. El punto rojo sugiere la vida que subyace bajo el manto de nieve .

Para realizar estos trabajos utilicé técnicas mixtas, como cortezas de coníferas (me gusta trabajar con lo que nos ofrece el reino vegetal ) , acrílicos , óleo sopleteado con soplete de boca, buscar transparencias y además realizar en la misma obra pinceladas con óleo, pegar papel metalizado como hice por ejemplo en "Invierno " colocando un círculo rojo en el centro. No hay reglas fijas. Todo vale si existe la armonía y el equilibrio. Lo importanta es darse permiso para seguir siempre investigando en la tarea creativa.

No me gusta ni explicar ni titular mis trabajos, porque recién están logrados o "casi " terminados cuando el observador los registra y a nadie les sugiere las mismas emociones, pues cada persona ve o coloca en una obra algo de sí y es muy probable que vean o sientan imágenes que yo no intenté comunicar, por lo menos , concientemente.

Por ese motivo siempre afirmo que la obra la concluyen los demás y a veces nunca terminan de crecer en su mensaje.

Lo importante es que despierten interés, que se establezca un puente entre el autor y el observador, si es rechazada, no importa. De no haberse logrado esa comunicación , el autor no supo componer su trabajo. Los cuadros siempre deben decirnos algo, ya sea por sus formas, colores o sonidos. Lo grave es la indiferencia. Que pasen a su lado y nadie los registre.

Desde el lugar del alumno.

Consignas para el aprendizaje.

1- No permitir que su autoestima se perturbe.
2- Sentirse igual a los demás compañeros.
3- Darse permiso.
4- Respetarse y respetar al grupo.
5- Si hay dudas, preguntar.
6- Todos aprendemos algo cada día.
7- El alumno aprende y sus experiencias de vida o aciertos ayudan al grupo.
8- No querer parecerse a...
9- Además de las técnicas debe sentir amor por el trabajo que realiza.
10- El aprendizaje es parte de la evolución personal.
11- Cuando se encara una actividad artística el alumno debe saber que existe un 99% de trabajo y un 1% de inspiración.
12- Si no se trabaja asiduamente la técnica se pierde.
13- Sentirse libre, pero dentro de los límites del equilibrio psíquico. No hay arte en el caos.
14- Aprender a ver; todo,árboles, calles, personas, cielos, paisajes en general y objetos cotidianos. Todos son motivo de análisis.
15- El profesor debe aclarar las dudas.
16- La obra no aparece en un instante. Se va gestando lentamente hasta que en nuestro interior sentimos la necesidad de plasmarla. Es un momento de gran felicidad. Luego se modificará algo o se retocará pero ya ha nacido y es nuestra.
17- No desanimarse si un trabajo no resultó como se deseaba. Tal vez faltó maduración interior. Luego "la musa" aparecerá y dará su "empujoncito".
18- Trabajar, trabajar y trabajar con mucha alegría no olvidando que con el arte nos comunicamos en un idioma universal.

La Docencia.

Pautas para las clases de Plástica.

Desde el lugar del docente.

1- Observar al alumno y comprender sus necesidades.
2-Tratar, si son adultos, de desestructurarlos.
( es más difícil desaprender que aprender)
3-Deben sentirse libres.
4-Cada alumno busca algo diferente del resto.
5-Respetarlos en todo momento.
6-Como todos tenemos una imagen interna, ayudarlos a que la saquen y puedan plasmarla .Esa será su identidad.
7-La música es indispensable para trabajar en todo proceso creador.
8-Deben comenzar libremente tratando de dibujar la música.
9-Existe un tipo de música para cada ocasión.
10-Deben amar las herramientas ( pinceles, carbonillas,etc. )
11-Enseñarles a ver.
12-No deben copiar ni estampas ni cuadros ya resueltos.
13-Sí trabajar con modelo vivo, en lo posible y observar cada detalle de la naturaleza o del propio entorno,
14-Dar las leyes plásticas con calidez y según la evolución de cada uno.
15-Respetar sus tiempos.
16-El profesor no enseña. Simplemente lo guía para que el alumno descubra su mundo interior, lo plasme y encuentre su propio estilo.
17-No permitir que imiten ni quieran parecerse a...
18-Sus trabajos deben ser únicos y personales.
19-Ningún alumno es mejor que otro. Cada uno tiene mundos, historias de vida y experiencias diferentes
20-Enseñarles a recorrer y tomar conciencia de los objetos cotidianos. Pueden ser motivo para trabajos plásticos
21- La literatura no debe dejarse de lado . La lectura de un cuento o poema también puede ser un tema para trabajar.
22- Un trabajo realizado con sentimiento siempre nos dice algo. La técnica u oficio es fundamental pero no alcanza, si no, nos quedamos en la ilustración ,sin proceso creador.
23- Alentarlos permanentemente.
24- Nunca hacer un trazo o pincelada sobre el trabajo de un alumno. Lo sienten como una violación, y es así.
25- Se aprende de los errores.
26. Guiarlos con afecto y animarlos cuando no logran sus objetivos.
27- Darles libertad, con ciertos límites.
28- Sin libertad no hay creación.

El arte es uno solo y se puede expresar con distintas técnicas: música, pintura ,literatura, danza, canto, etc. pero se complementan. Son distintas maneras de expresar un mismo sentimiento y el proceso creador es el mismo en cuaquier área.
No claudicar.
No existe el fracaso. Son distintos enfoques para re-crear nuestra realidad .

El camino puede ser largo pero la meta es maravillosa.
Marta Burgos.

"De lo espiritual en el arte". Kandinsky

"Paulatinamente, las diferentes artes se disponen a decir lo que mejor saben decir y por los medios que cada una de ellas posee, exclusivamente.
A pesar de, o gracias a, esta diversificación, las artes nunca estuvieron tan cerca las unas de las otras en los últimos tiempos, como en esta hora del cambio del rumbo espiritual.
En todo lo aquí citado se hallan los brotes de las tendencias hacia lo no-natural, lo abstracto, la naturaleza interior.Consciente o inconscientemente obedecen a la frase de Sócrates: "¡Conócete a ti mismo !". Consciente o inconscientemente los artistas retornan a su material principal, lo estudian, colocan sobre la balanza espiritual el valor interior de los elementos con los que su arte puede crear.
Este empeño produce espontáneamente su consecuencia natural: la comparación de los propios elementos con los de otro arte. La enseñanza más rica nos la da la música.
Con pocas excepciones y desviaciones, la música es, desde hace ya siglos, el arte que utiliza sus medios para expresar la vida interior del artista y crear una vida propia de tonos musicales.
El artista, cuya meta no es la imitación de la naturaleza, ve como se alcanzan naturalmente estos objetivos con la música, la más inmaterial de las artes. Se vuelcan a ella para encontrar los mismos medios. De ahí proceden en la pintura la búsqueda del ritmo y la construcción matemática, el valor que se da a la repetición del color y la dinamización de éste.
Como conclusión, las artes toman medios las unas de las otras, las artes se integran".

Kandinsky



Como las llamaba el maestro Kandinsky "ARTES INTEGRADAS" o "MONUMENTALES"
Por supuesto que en su época no existían ni la música" concreta o experimental" como tampoco la pintura "concreta", pero eso no desmerece su obra y enseñanzas inigualables.
Posedor de un talento genial nos deja el legado de sus obras ,pictóricas y su pasión como gran violinista que fue.

Marta Burgos.

"De lo espiritual en el arte". Wassily Kandinsky

"Todo el mundo sabe que el amarillo, naranja y rojo despiertan y representan las ideas de alegría y riqueza" (Delacroix).
"Esta cita muestra
el profundo parentesco que existen entre las artes, y especialmente entre la música y la pintura. Sobre este sorprendente parentesco se basa seguramente la idea de Goethe según la cual la pintura tiene que encontrar su "bajo continuo". Esta profética frase de Goethe es un presentimiento de la situación en que se encuentra la pintura actualmente. Desde esta situación, la pintura, con ayuda de sus medios, evolucionará hacia el arte en el sentido abstracto y alcanzará la composición puramente pictórica."

Refexiones de Schumann y Tolstoi.

Cada cuadro encierra misteriosamente toda una vida, con muchos sufrimientos, dudas, horas de entusiasmo y de luz. ¿ Hacia dónde se dirige esta vida ? ¿ Hacia dónde clama el alma del artista, si también participó de la creación ? ¿Qué proclama ? "Enviar luz a las profundidades del corazón humano es la misión del artista" dice Schumann. "El pintor es un hombre que sabe dibujar y pintar todo" dice Tolstoi.

"La nueva visión". Principios básicos del Bauhaus

Arte

Comparada con un nuevo sistema de vida, en el cual toda creación sería motivada por necesidades íntimas, nuestra existencia actual parece excesivamente sobrecargada de residuos del pasado.
Aun en su aparente aislamiento, la experiencia artística como termómetro de las necesidades es indispensable a la sociedad. La auténtica función del arte es ser la representación gráfica de nuestra era, una búsqueda intuitiva del equilibrio ausente en nuestra vida emocional, intelectual y social. El arte es el más íntimo lenguaje de los sentidos, un vínculo directo del hombre con sus semejantes.

Es interesante la afirmación de Sigmund Freud sobre estas relaciones: "Sólo en una esfera ha retenido nuestra civilización la omnipotencia del pensamiento: en el arte. Unicamente en el arte sucede aún que el hombre, consumido por sus deseos, se aproxima con su obra a la gratificación de esos deseos, y este juego, merced a la ilusión artística,origina afectos como si fuera real".


(de" La Nueva Visión" de László Moholy-Nagy).

Poema: "Fagot" de Kandinsky

Casas muy grandes se derrumban repentinamente. Casitas quedaron tranquilamente en pie.
Sobre la ciudad apareció de pronto una gruesa, dura nube anaranjada con forma de huevo. Parecía colgada de la puntiaguda punta de la alta, enhiesta torre de la Casa Consistorial, e irradiaba violácea luz.
Un seco, pelado árbol tendía al profundo cielo sus largas ramas temblorosas y trémulas. Era enteramente negro, como un agujero en blanco papel. Las cuatro hojitas temblaron un rato. Sin embargo no soplaba el menor viento.
Pero cuando llegó la tormenta y derribó muchos edificios de gruesas paredes, las delgadas ramas permanecieron inmóviles, las hojitas se pusieron rígidas, como de hierro fundido.
Una bandada de cornejas voló a través de los aires en línea recta, sobre la ciudad.
Y de nuevo todo quedó en calma.
La nube anaranjada desapareció. El cielo se hizo de un azul cortante. La ciudad amarilla hasta el llanto.
Y a través de aquel silencio oíase sólo un ruido: el golpeteo de los cascos de un caballo. Ya se sabía que a través de las calles enteramente desiertas andaba solo un blanco caballo. Ese ruido duró largo tiempo, muy, muy largo tiempo.Y por eso mismo nunca se supo exactamente cuando cesó. ¿Quién sabe cuándo nace el silencio?
Los sonidos arrastrados, largamente prolongados, algún tanto inexpresivos, indiferentes, largos en el grave, moviéndose en el vacío, de un fagot hicieron que paulatinamente todo se pusiera verde. Primero un verde profundo y un poco sucio. Luego cada vez más claro, más frío, más venenoso, y aun más claro, más frío aún, más venenoso aún.
Los edificios crecieron en las alturas y se hicieron más delgados. Todos se inclinaban hacia un punto de la derecha, hacia donde tal vez esté el levante. Pudo percibirse como una tensión hacia el levante.
Y aún más claros, aún más fríos, aún más venenosos y verdes se hicieron el cielo, las casas, el pavimento y los hombres que lo recorrían. Iban éstos sin detenerse, ininterrumpida, lentamente, mirando frente a sí. Y siempre solos.
Pero todo esto confirió al pelado árbol una grande, óptima copa.Alta estaba esa copa y tenía una forma compacta a la manara da una salchicha curvada hacia arriba.Esa copa sola era de un amarillo tan estridente que ningún corazón lo habría resistido.
¡ Qué bueno que ninguno de los hombres que marchaban por abajo hubiera visto esa copa!
Solo el fagot se esforzaba por designar aquel color. Sus notas se hacían cada vez más elevadas, estridentes y nasales en su tensa tonalidad. ¡ Qué bueno que el fagot no haya ´podido alcanzar esa tonalidad !

(De "Sonoridades")

(De "Mirada Retrospectiva", Kandinsky)

Reflexiones de grandes maestros II

"La tuba forma parte de los instrumentos de cobre: "su extensión al grave es la mayor que existe en la orquesta (...) su timbre (...) tiene un poco de la vibración del timbre de los trombones (...) . Es difícil imaginarse el efecto producido en las grandes armonías militares por un conjunto de tubas. Los sonidos tienen algo del trombón y a la vez del órgano" (Berlioz, Traité d'Instrumentation, 1844); Wagner a quien Kandinsky alude muchas veces, había generalizado el empleo de la tuba en la orquesta sinfónica. Se sabe que de acuerdo con la correspondencia de los colores expuestos en Du spirituel dans l'art precisamente es el rojo de cinabrio (bermellón) lo que se compara con la tuba (el rojo de Saturno se compara con la trompeta, el rojo laca con el violín o el violonchelo; el violado y el rojo frío con el corno inglés o con el fagot): "el rojo mediano (como el rojo de cinabrio) alcanza a la permanencia de ciertos estados intensos del alma. Como una pasión que arde con regularidad, hay en él una fuerza segura de sí misma que no se deja cubrir fácilmente..."(Du epirituel, capítulo VI: El lenguaje de las formas y de los colores). Véase también en el apéndice el poema Fagot.
Las tubas y después los trombones iban a ser los instrumentos más frecuentemente evocados por los poetas expresionistas.

("Mirada Retrospectiva", Wassily Kandinsky).

Reflexiones de grandes maestros

El sonido musical tiene acceso directo al alma. Inmediatamente encuentra en ella una resonancia porque el hombre "lleva la música en sí mismo" (Goethe).

La verdadera obra de arte nace misteriosamente del artista por vía mística. Separada de él, adquiere vida propia, se convierte en una personalidad, un sujeto independiente que respira individualmente y que tiene una vida material real. No es pues un fenómeno indiferente y casual que permanece indiferente en el mundo espiritual, sino que posee como todo ente fuerzas activas y creativas. La obra de arte vive y actúa, colabora en la creación de la atmósfera espiritual. Desde este punto de vista interior, únicamente puede discutirse si la obra es buena o mala. Cuando la obra es "mala" o demasiado débil, es que la forma es "mala" para producir vibraciones anímicas puras. Por otro lado, un cuadro no es "bueno" porque sea exacto en sus valores (los valeurs inevitable de los franceses) o porque esté casi dividido en frío y calor, sino porque tiene una vida interior total. El "buen" dibujo es aquel que no puede alterarse en absoluto sin que se destruya su vida interior, independientemente de que el dibujo contradiga a la anatomía, a la botánica o a cualquier otra ciencia.

("De lo espiritual en el arte", Kandinsky).